Category Archives: Page Catalogue

Forêt

Press review

Perte & Fracas

Forêt suit son instinct, n’obéit à aucunes règles, interprète son histoire et sa petite musique interne avec intensité, nerveusement, fébrilement et c’est une franche réussite. Il faudrait vraiment être de bois pour rester insensible à Forêt. Faulkner Songs jusqu’à l’agonie.

Perte & Fracas, juin 2021

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PointBreak

[…] Et brute, la musique de Faulkner Songs l’est carrément. Guitare branchée à
l’ampli sans effet, ni combine. Reste alors la technique de jeu, l’intention de chaque note appuyée ou
glissée. Reste surtout de sacrés paysages où vous êtes libres. Libres d’y ajouter la lumière d’août, des
sycamore trees et de grands champs d’herbe rase si bon vous semble. […]

PointBreak, Guillaume Malvoisin, mars 2021

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Citizen Jazz

[…] Comme s’il n’y avait rien d’autre que les cicatrices de la déchéance sudiste en écho à cette guitare dépouillée et écorchée. L’album est enregistré sans autre effet que celui de l’amplification, contribuant ainsi à signifier la douleur et la désolation. Et c’est terriblement chouette. […]

Citizen Jazz, fév 2021

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Le Grigri

Poèmes sans paroles, vignettes improvisées, soundtrack imaginaire, « Faulkner Songs » plonge dans un monde onirique et ardent où les morceaux n’ont pas de nom (ils sont tous Untitled) et la guitare électrique n’a presque plus d’électricité. […]

Le Grigri, fév 2021

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Perte & Fracas

C’est tour à tour obscur et lumineux, mystérieux et limpide, âpre et d’une grande élégance, sauvage et retenu.
Les mélodies sont faites du bois qui brillent, se proposant à vous toujours naturellement, sans enluminure, la dextérité s’effaçant devant la simplicité. Des mélodies fort prenantes et charismatiques. Elles peuvent s’énerver ou caresser, se briser subitement ou gratter jusqu’à l’os. Elles construisent une suite de morceaux s’enchaînant comme autant de coups d’éclat… […]

SKX, Perte & Fracas, sept 2019

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Des Cendres à la Cave

[…] On retrouve sur Ma Walki la même beauté simple, fondamentale, qui fait dresser les poils partout sur l’épiderme. Le même goût pour le cru et le revêche également. Aucune fioriture pour venir arrondir les angles ou pour faire écran. Ici, on va droit à l’essentiel et ce qui sort de la tête se retrouve immédiatement au bout des doigts. Du coup, on a souvent l’impression que la musique – comme lorsqu’on écoute Cannibales & Vahinés ou The And – tape toujours dans le mille, correspondant pile à ce que l’on ressent au moment où elle croise notre empan. C’est donc une alchimie très particulière qui nous lie à elle. Son élégante mélancolie, son blues très personnel, son intensité brute, sa sécheresse qui fait naître beaucoup d’images derrière les yeux expliquent des morceaux qui nous accompagnerons longtemps.

[…]

Grand.

Des Cendres à la Cave, avril 2019

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FORET

La guitare seule, sans additifs, exprime l'émotion dans sa forme la plus réduite, à l’os, par les cendres. Si l’ornement est mis de côté ici, où ne subsistent qu'armatures et formes brutes, la musique n'en est que plus directe et suggestive. Un son brut, aride, à la fois mélancolique et rassurant, comme de longues promenades en solitude accompagnée. La trame rêche et ronde des cordes, tantôt grondantes, roulantes, saillantes, frémissantes ou chuchotantes, déploie un panel d'expressivité qui emporte l'auditeur vers ses propres paysages décharnés ou sublimes.

FAULKNER SONGS

Quand j’ai fait écouter les fragments de ces morceaux à un ami, il a évoqué Faulkner. J’ai trouvé la correspondance juste dans sa résonance à un certain imaginaire. En lien direct avec une âme aux contours écorchés, les ‘Faulkner Songs’ ont été construites sur une guitare électrique jouée à vide, débranchée, à l’abri de toutes tentations d’effet(s).
Cette contrainte comme volonté a guidé mes attentes vers ce même but, là où le propos se resserre et s’évide.

Captées sur le vif, les Faulkner songs ouvrent l'imaginaire, suscitent des images. Forêt nous entraîne vers des contrées aux sonorités familières et dans les méandres de son paysage intime.
Forêt ne triche pas. Il se livre avec une extrême sincérité, sans ornement inutile, sans le moindre effet. Se mettant à nu. Son monde est contrasté, apaisé et tendu, lumineux et tourmenté. L'harmonie y est souvent contrariée, la dualité exprimée de manière stridente et nerveuse. Le bruit et la fureur. Un tiraillement, une dissonance qui stimule le mouvement, l'intensité du jeu, l'émotion qu'elle suscite. Les Faulkner songs, c'est un monde vibrant dans la moindre note. Une âme.
Mr Morezon 023 / paru le 26 février 2021 chez Mr Morezon

Reverse Winchester / Mike Ladd & Mathieu Sourisseau

©️Hrotko Balint - Opus Jazz Club BMC, mars 2025

A duet in the simplest device – a voice and a guitar – where poetry and matter blend, setting fire on the powder of highly seductive chemistry.

With his acoustic guitar in open tuning, Mathieu Sourisseau deploys sonorous landscapes, navigates between blues, noise-folk, rock or improvised music. A monochromatic canvas that makes fun of its own nuances, on which Mike Ladd gives life to his texts.

Chanson, rap or scansion, the poetry in English grazes auto-biography, delivers some keys to the lost lovers, grand-mother Rose left for North Carolina to some of the craziest days spent in the Bronx or in Paris or even revolt and the emancipating role of Afro-American literature.

Always nice to see bone backed projects easily draw diagonals between influences that anyone else would have summon while blushing. Stoner riffs, urban flow, spoken-fuck and twisted-blues. Here are some ideas of what you’ll find at a Reverse Winchester’s gig. Mike Ladd on vocals and Mathieu Sourisseau on amplified acoustic guitar. The first one claims to have graduated from a "PHD in deep freeze" but the tremors of the second one are far from frost. Bottleneck or effect pedals to kick Ornette Coleman out of R.L. Burnside's backyard. Sounds kneaded with sharpness and South West’s proteins. Sure, here is a bunch of stories, old things like love, like soul and therefore not far from tears. Mike Ladd takes a step out of his rap thing, keeps his scansion mint and swings into Sourisseau's rough weaves every kilo "taken with joy, in France". Without the help of a drumkit or a tinned back up. MPC free, this little shoutin’ room. Laidback crooner with a mouth full of rocks and one-eyed history (true stories, right, but one-eyed), Ladd grumbles against frozen weddings, crooked dice and Long Fingers Women. Perfect for riding the large miniature spaces that the guitar has screwed into your head.
(Guillaume Malvoisin / LeBloc, Point Break, october 2019)

Mister Bishop

04

Jun

Mister Bishop -

Médiathèque Grand M, Toulouse - 18h00 -
05

Jun

Mister Bishop – Fête de St Cyprien -

L'Estaminot, Toulouse - 19h00 -
29

Jun

Mister Bishop -

Parc de Foucaud, Gaillac
29

Jun
-
05

Jul

Mister Bishop -

La maison Malepère, Toulouse
05

Jul
-

Mister Bishop

Véritable homme-orchestre, le musicien Andy Lévêque joue avec ses mains et ses pieds, du saxophone et des percussions. Il combine boucles répétitives, monodie et rythmique entêtante pour donner naissance à un objet musical non-identifié, Mister Bishop.
Avec "Bimorphistes", son nouveau répertoire, il prolonge son exploration sonore. Il construit des formes musicales répétitives, immersives et propices à la transe en laissant une place plus importante à l’improvisation.
Enrichissant son instrumentarium de multi-flûtes, mini-pédales à clochettes et mélodicas à soufflet, Mister Bishop étend sa palette sonore tout en conservant l’esprit DIY qui fait l’ADN de son univers musical.
Un genre de Rahsaan Roland Kirk demi-portion ou de Paddy Steer débranché...

Un projet à mobilité douce
Mister Bishop prône une démarche artistique à mobilité douce. Il sillonne les routes avec son vélo cargo, planifiant chaque tournée dans les moindres détails : itinéraires, kilomètres, dénivelés et axes routiers.
Ses terrains de jeu sont multiples : places de village, gymnases, cours d’école, guinguettes ou festivals.
Mister Bishop propose également des balades musicales à vélo : des moments suspendus où le public découvre paysages et sons au fil des kilomètres. La lenteur et la plus grande inclusivité sont privilégiées !

Fish From Hell

Vidéo

Vidéo : Johann Michalczak

Fish From Hell

Fish From Hell’s music walks hand in hand with the Mody Dick story. The images and the different energies of the saga are in a way the subconscious of every sound produced and without falling in illustrative music, the sound material is fed by oceans, natural forces, work, rebellion, madness, loneliness, chaos, natural elements and human wildness.
The trio was originally built to write and perform live music for the musical theater piece “Moby Dick Wanted !” (in Dijon, France, March 2015, by “Les Mécaniques Célibataires” company). Although we can recognize noise, rock and free themes in Fish From Hell’s improvised music, it is only defined by the constant movement of its dialogues. Fish From Hell’s is entirely acoustic music that puts a special importance on the textural sound work and includes in their play plenty of improvisation in its different frames and colors.

RIVAGES BARBARES

Après avoir rendu hommage au Moby Dick d'Hermann Melville, à la folie d'Achab, aux éléments déchaînés et aux créatures des abîmes, le trio Fish from Hell s'attaque à son second opus, Rivages Barbares.

Il est question, ici, des Origines.

On parle parfois des Arts Premiers, des Civilisations Primitives – et tout de suite, l'adjectif (primitif), dont la racine parle de l'initialité, de l'origine, cet adjectif résonne immanquablement chargé de quelque chose de péjoratif, porteur d'une connotation le rendant proche du mot « inférieur ». Le Primitif, l'homme peu civilisé, le Sauvage, le Barbare...

On a tous en tête l'image de ces rivages, auxquels abordaient, au péril de leur vie, les courageux héros/hérauts de notre Civilisation, porteurs de la parole de leurs dieux, le bon Dieu, et le Commerce, et du martyre de certains d'entre eux, malheureux missionnaires dévorés par de sanguinaires anthropoïdes.

Aujourd'hui, on utilise plutôt les termes de Peuples Autochtones, de Natifs ou de Peuples Racines.
A l'exception peut-être du Peuple des Sentinelles des Iles Andaman, qui parvient encore, de façon résolue, à rester coupé du Grand Monde, les jeux sont, en grande partie, faits, et tout espace, social ou naturel, est potentiellement exploitable, mis au carré, civilisé ou en voie de l'être, à force de Caterpillar...

Alors on s'interroge sur ce qu'il reste de vivant des Origines. On écoute ces enregistrements « ethnographiques » du milieu du siècle dernier où l'on entend, en arrière fond de musiques que presque plus personne ne joue aujourd'hui, rire des enfants, caqueter des poules et roucouler des oiseaux... Documents sonores d'un monde révolu, où la musique était au cœur de la vie.
Et même le craquement du vinyl fait chaud au cœur comme celui d'un feu de bois.
Et, comme on est loin de connaître, ou de reconnaître ses propres origines, qui ne font pas forcément vibrer ou fantasmer, on s'invente, naïvement, sa propre version de l'Eden.

Fish from Hell est allé chercher dans certaines de ces précieuses reliques, la source de la musique qui constitue « Rivages Barbares ».
La majeure partie provient de l'écoute assidue des arts musicaux d'Asie du Sud Est, d'Indonésie (Bali, Sumatra, Papouasie Nouvelle Guinée...), de Mélanésie...
Le processus de composition ne tient pas principalement à l'hommage, mais plutôt à l'observation de « comment ces musiques nous traversent », et qu'est-ce qui sort de nous après cette traversée.
Nous, musiciens d'aujourd'hui, musiciens d'un monde dont on peut difficilement nier la barbarie.

Facteur Sauvage

Press review

442e rue

Avec un tel pedigree, ce trio improbable ne peut décemment pas faire une musique aseptisée, formatée et innocente, ce serait contre-nature. Facteur Sauvage, c’est un mélange de jazz fantomatique, genre Tom Waits scrofuleux, de blues dégénéré, genre Captain Beefheart extatique, d’avant-garde bastringue, genre the Ex déviant, de noise démembrée, genre Sonic Youth halluciné.

Pour entrer en transe sans utiliser de substances prohibées, Facteur Sauvage, c’est de première bourre. Et, une fois que vous êtes dans un état second, c’est là que la magie opère, que vous entrez de plain-pied dans vos rêves les plus dingues, ou vos cauchemars les plus expressifs, les plus radicaux n’étant pas forcément ceux que vous attendiez. Facteur Sauvage sont de fiers guerriers de l’accord déstructuré, d’altiers gladiateurs de l’arpège abrasif, d’arrogants chevaliers de la mélodie bouleversifiée, à la fois Attila, Spartacus et Prince Noir en route pour une petite virée raboteuse et chaotique dans des contrées à peine défrichées par la civilisation. De quoi entretenir une légende et passer à la postérité.

Lionel Dekanel, 442E RUE, n°126 p.13, juillet 2018

442e rue n°126

Facteur Sauvage, musical anomaly, poetic virus, self-made sound. A raw, compact trio. A sound straight from the tubes of homemade amplification, carried by a voice heated to white. Spoken word or song, the words bounce off a prepared bass and drums section, fed by primitive blues and rock.

In concert, Facteur Sauvage gently grabs us by the ear and gradually shakes us until we end up sweating. A warm-blooded animal, the trio kicks up clouds of dust between tender and wild tracks. Their music creates an evocative, almost narrative or cinematographic atmosphere, taking us on an initiatory road movie, between smoky bars and endearing fairground characters...

Willy Wolf, l'homme qui va mourir (2019)

In 2019, Facteur Sauvage has plunged headlong into the creation of a new work inspired by the Nantes character and urban myth of Willy Wolf. Willy Wolf, a self-proclaimed world champion diver, made his living by selling postcards of himself posing with a skull and a crossbones and an unsparing invitation: "Buy the man who is going to die". He invited locals with a taste for physical prowess and reckless danger to perform feats that would make him a trompe l'oeil. That's how he became known in the city of Nantes. On 31 May 1925, at the age of 27, he stood on the bridge of the Nantes Transbordeur in front of 50,000 spectators. After a few balancing acts above the void, he ignited his belt and jumped 55 metres... The crowd and the Gaumont theatre, present for this unique event, witnessed a living death. The living torch became a comet and the comet disappeared into the Loire. A myth was born.

But did Willy Wolf die that day? Or did he go on to other underwater adventures? For Facteur Sauvage, this story is more than just a news item. The spectacle of death is of little importance. It's the impulse of this son of Polish immigrants, a fitter by trade, a dreamy acrobat, a braggart in the markets, that appeals. He tells us something else. A little man who stands up to his humanity. A story to be told again and again. A dream that corrects the world of reality.

Facteur Sauvage has taken on the task of writing music and shouting from the rooftops around Willy Wolf, creating new pieces based on the film of this story. It's a kind of imaginary cinema concert in which a sparse instrumentarium and an eager audience must join forces in a communion of rage. The aim is to bring out this man's rage for life, his taste for risk, his enchanting poetry, his conquest of courage and the whole range of possibilities...

Une production Freddy Morezon. Avec le soutien de la DRAC Occitanie, du Conseil Régional Occitanie et du CNV.

No Noise No Reduction

Press review

Actionné par l’audacieux organiste Giulio Tosti, attelé au trio le plus soumis à la gravité de la planète saxophone, NoNoiseNoReduction, l’Explorateur devient machine infernale à emprunter les arcanes impénétrables d’une plus céleste plomberie. Des sons, comme si tout était plus grand, des sons qui jaillissent, oscillant entre graves et aigus, entre lyrisme et dépouillement. Le plateau est traversé d’un même souffle qui met en vibration les âmes.

Nicolas Sarris, théâtre Garonne, lors de la Nuit du Gesu le 12/10/2023
[L’Explorateur est l’orgue à tuyaux transportable conçu par Yves Rechsteiner (directeur artistique de Toulouse les Orgues) sur lequel joue Giulio Tosti].

Hémisphère son

One could be at the bottom of the ocean, in the presence of a kraken or a whale, so organic is the music.
What you feel vibrating deep inside is the pulsation of a big animal… The improvisation has a powerful breath, it unfolds according to the response games between the musicians. Sometimes, we think we hear cries or bird calls.

Hémisphère son – Anne Montaron lors du concert à Jazz à Luz le 15/07/2022

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No Noise No Reduction, la plus belle invention après la bombe atomique.

Nicolas Dourlhès, CITIZEN JAZZ, juin 2018

citizen jazz – chronique concert au Pannonica

Puissante, originale et tendue, la musique de No Noise No Reduction est curieuse pour son instrumentation et surprenante de créativité.

Bob Hatteau, Jazz à Babord (octobre 2017) et Improjazz (janvier 2018)

Jazz à Babord

Improjazz

Citizen Jazz

No Noise ? Pas sûr puisque du bruit, ils en font et ont l’air d’aimer ça. Mais un bruit organique et organisé, puissant, né de leurs tripes, celui d’une fureur de souffler jusqu’à l’épuisement une musique rageuse dont la texture sonore est pour le moins atypique et sonde les registres les plus graves de leurs instruments. Marc Démereau (saxophone baryton), Marc Maffiolo et Florian Nastorg (saxophones basse) sont les valeureux gardiens d’un temple qui n’appartient à aucune chapelle, sauf peut-être celle d’une démesure libertaire où coagulent des énergies héritées autant du rock, du punk que du jazz ou autres avant-gardismes exaltés.

Disque élu Citizen Jazz

Denis Desassis, Citizen Jazz, juin 2017
Lire la chronique sur Citizen Jazz

It’s a sea of reeds and it takes three masters adept to exploiting all the expressive range saxes have to offer to accomplish a feat as NNNR have. One barytone and two basses do the damage here and they’ll have you dancing, cheering and lamenting within a matter of minutes.
[…] Another serious contender for album of the year 2017.

Evangelos Christodoulou, Right Deaf Ear, juin 2017
Lire la chronique sur le blog Right Deaf Ear

No Noise No Reduction

Un trio porté par des rockeurs qui ne se sont pas trompé d’instruments : deux saxophones basse et un sax baryton !
Marc Démereau (Le Tigre des Platanes, Cannibales et Vahinés, La Friture Moderne), Marc Maffiolo (L'Orchestre en Or, Agafia...) et Florian Nastorg (Le Grand Silence, La Ligue des Objets, PIAK...) explorent au saxophone, un rock très " sonore ", porté sur la matière et l’énergie brute. Ils exhument les brûlots sonores des années 90 via Sonic Youth, Melvins, This Heat, Lightning Bolt… et surfent sur l’héritage free des années 70.

99 % (2022)

Printemps 2022 : le trio de saxophones graves No Noise No Reduction (deux saxophones basses et un saxophone baryton) fête cette année ses dix ans d'existence, et, pour l'occasion, s'offre un répertoire tout neuf !

Composé par Marc Démereau durant l'hiver précédent, à la sortie de ces deux troubles et bien étranges années « covid », ce répertoire s'intitule « 99% », et tire son origine de la lecture du très beau roman de Michel Ragon, « la Mémoire des Vaincus ».

Ce roman, passionnante fresque historique, retrace, à travers la vie de Fred Barthélémy, personnage en partie fictif, ou « recomposé », la mémoire des luttes (et déroutes) sociales, anarchistes, libertaires, antifascistes, du tout début du XXème siècle jusqu'après mai 68.

« 99% » se présente comme une suite de neuf morceaux, évoquant tour à tour des personnes ou des faits « historiques » (Kropotkine, Makhno, le Front Populaire...) et deux des personnages principaux du roman.
Une suite nourrie aussi de bien d'autres choses qui débordent du livre vers notre monde actuel.
Y sont évoqués : le « monde alternatif », où s'incarne en partie aujourd'hui certaines dynamiques libertaires des plus fortes et des plus inventives... les luttes pour l'égalité des genres... les grands mouvements contestataires comme « Occupy Wall Street » dont le slogan, « We are the 99% », est à l'origine du nom du répertoire, ainsi que le titre du dernier morceau (dédié au très regretté David Graeber, trop tôt disparu)...

La composition de cette suite met donc en vibration des énergies qu'insuffle cette thématique « libertaire ».
L'auditeur peut être, ou ne pas être, sensible ou attentif à ce « sous texte » de la musique. L'important n'est pas là (un concert n'est pas un meeting politique !), mais bien les dynamiques et les sentiments qu'il reçoit.

Il y a dans cette musique, force et liberté, beaucoup de cœur et énormément de joie, d'énergie et d' « espoir » !

NoNoiseNoReduction joue parfois sur scène, sonorisé. Mais son terrain de prédilection demeure acoustique, sans technique et au plus près des gens, en intérieur ou en extérieur, souvent dans l'espace public, avec une grande attention portée à la vibration du lieu.

Au doux combat me joindre (2017)

Après avoir décortiqué la puissance et la palette sonore d’un ensemble de saxophones graves en revisitant des légendes de l’histoire des musiques free, rock, punk, noise ou no wave, ce saxophone à trois têtes s'est forgé un son puissant et unique, et s'attaque en 2016 à la création de son propre répertoire. Armés de leurs trois saxophones graves, les trois musiciens nous livrent des morceaux où se mêlent les souffles et les timbres, énergie rock et subtilité de quatuor à cordes, avec fougue et humanisme. L’écriture à la fois précise et ouverte, minimaliste, laisse toute sa place au jeu et à l’improvisation, à la fusion des timbres, au gré des souffles, des variations de dynamiques et de contrastes. Et la magie du trio prend aussi bien sur scène, à base de "gros son" acoustique et d'énergie communicative, que sur album.
L'album Au doux combat me joindre parait en mai 2017 chez Mr Morezon (disque élu Citizen Jazz).

The Void (2014)

En 2014, le trio retravaille dans son intégralité The Void, un album de the Flying Luttenbachers, défunt groupe culte du rock underground évoluant entre free jazz, punk et noise, et digne héritier du mouvement No Wave autant qu’une influence majeure pour bon nombre de musiciens actuels.

Iana

Deux femmes, porteuses d’histoires musicales polychromes. Deux pianos, formation dont les potentialités sont loin d’avoir été toutes révélées. Deux parcours aux tracés apparemment parallèles, mais qui convergent vers un même horizon, leur domaine de prédilection se rapprochant sans cesse depuis un demi siècle – Christine Wodrascka est une figure fameuse des scènes de l’improvisation libre, attirée par la musique contemporaine, pendant que la fréquentation des oeuvres de Ligeti, Cage, Crumb, Harvey, etc. a porté tout naturellement Betty Hovette hors des portées fixes de la partition écrite.

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LAST DAY // Marylin Leray x Nicolas Lafourest -

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